[Entrevista] Padrões que guardam memórias: Athene Galiciadis x Samsung Art Store

“Em vez de formular pensamentos por meio de palavras, componho com camadas de cores.” – Athene Galiciadis, artista contemporânea

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Resumo AI

• Athene Galiciadis integra a Coleção Art Basel em Basel 2026 da Samsung Art Store com as obras Stillleben (Reflection on Longings and Belongings) e Stillleben (Window), que exploram temas como pertencimento, memória, identidade e transformação por meio de padrões, repetição e camadas de cor.
• Na entrevista, a artista explica seu processo criativo, baseado na repetição manual de formas geométricas, pequenas variações e no uso da cor como linguagem visual, criando composições que equilibram ritmo, movimento e múltiplas interpretações.
• Galiciadis destaca o papel da Samsung Art Store em aproximar a arte do cotidiano, permitindo que obras sejam vivenciadas continuamente no ambiente doméstico e estabeleçam novas conexões, significados e memórias ao longo do tempo.

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O trabalho de Athene Galiciadis extrai sua força do movimento de formas repetidas. Em pinturas, esculturas e instalações, a artista sediada em Zurique utiliza grades, curvas e blocos de cor para construir uma linguagem formal moldada por padrões, experimentação de materiais e referências que abrangem a arte concreta, o design, o artesanato, a ciência e a literatura.

Uma linguagem pessoal por meio de padrões

P. Seu trabalho possui uma linguagem distinta de formas, cores e materiais. Como esse sistema visual se desenvolveu?

Comecei a desenvolver essa linguagem visual enquanto estudava Belas Artes na ECAL (École cantonale d’art de Lausanne), em Lausanne. Na época, muitos artistas da cena local trabalhavam com a estética Neo-Geo. Eu admirava o rigor dessa linguagem, mas nunca me conectei totalmente com a sua precisão. Em vez de adotá-la diretamente, tentei traduzi-la em algo que parecesse mais próximo de mim.

Comecei a trabalhar com formas geométricas, padrões, repetição e simetria, mas abracei deliberadamente o feito à mão. Cada forma era desenhada ou pintada manualmente, tornando-se única e ligeiramente diferente daquela ao seu lado. Os padrões mudavam sutilmente pela superfície, não por meio de um sistema predeterminado, mas pelas pequenas variações que surgem naturalmente da repetição manual.

P. Como você pensa o ritmo, a variação e a mudança dentro de uma composição?

A repetição sempre esteve no centro da minha prática, mas nunca me interessei pela repetição como uma duplicação exata. Como minhas formas são desenhadas e pintadas à mão, nenhum elemento é completamente idêntico ao outro. Uma linha fica um pouco mais grossa, uma forma se desloca, uma cor muda de intensidade. Essas diferenças se acumulam e criam uma sensação de movimento na superfície.

Costumo pensar na repetição em termos de ritmo, e não de padrão. Um padrão sugere um sistema fixo, enquanto o ritmo permite flutuações, pausas, acelerações e reviravoltas inesperadas. Nesse sentido, minhas composições talvez estejam mais próximas da biologia do que da geometria. Elas são estruturadas, mas nunca totalmente previsíveis. Elas se repetem, mas nunca exatamente da mesma maneira. Com o tempo, essa linguagem visual tornou-se mais do que uma ferramenta. Vejo-a como um espaço para o “meio-termo”, uma forma de acolher a ambiguidade, a transição e múltiplos significados ao mesmo tempo.

P. Quanto de uma obra é planejada antes de você começar e quanto é decidida no ato de fazê-la?

Geralmente começo com uma imagem muito clara na mente. Penso de forma visual, então muitas obras começam como uma imagem mental quase completa, em vez de um conceito expresso em palavras. O que me fascina é que a obra concluída nunca se parece exatamente com aquela imagem inicial. A imagem precisa passar pelos materiais, gestos, escala, tempo e pelas realidades do ateliê. Nessa tradução, as coisas inevitavelmente mudam.

Não vejo esses desvios como erros ou concessões. Pelo contrário, muitas vezes é onde a obra se torna mais interessante. Embora o ponto de partida seja frequentemente muito definido, o trabalho final é sempre moldado pelo ato de fazer. É uma conversa entre intenção e descoberta, entre o que vislumbrei e o que a própria obra pede ao longo do caminho.

O Significado de “Stillleben”

“As mesmas estruturas que proporcionam conforto e senso de lar também podem se tornar mecanismos de separação e exclusão.”

P. Sua paleta costuma transitar entre rosas suaves, verdes e amarelos, com azuis mais escuros e pretos adicionando contraste. Como você pensa a cor como uma forma de moldar tensão, profundidade ou atmosfera?

Para mim, a cor é algo profundamente pessoal. Não a abordo primordialmente como um elemento decorativo ou como uma forma de ilustrar uma ideia. Em vez disso, a cor é uma forma de pensar e uma vertente de pesquisa artística.

De muitas maneiras, esse processo substitui a linguagem. Em vez de formular pensamentos por meio de palavras, componho com camadas de cores. Por meio dessa lenta acumulação, busco nuances, tensões e relações que são difíceis de articular verbalmente. A profundidade que surge não é apenas visual, mas também emocional e conceitual.

P. O que você pode compartilhar sobre as obras selecionadas para a Coleção Art Basel em Basel 2026 na Samsung Art Store e o momento em que foram produzidas?

Este trabalho surgiu em meio a uma constelação maior de pinturas que eu estava desenvolvendo simultaneamente no ateliê. Raramente trabalho em uma única tela por vez. Em vez disso, várias obras evoluem lado a lado, criando uma espécie de diálogo. O que aparece em uma tela frequentemente migra para outra; uma cor, forma, ritmo ou ideia que começa em uma pintura pode encontrar uma articulação diferente na próxima.

Ambas as obras foram criadas dentro desse processo. Elas carregam vestígios de múltiplas explorações e conversas que ocorriam em diferentes telas ao mesmo tempo. Olhando para trás, vejo cada obra como parte de uma reflexão contínua sobre questões que persistem em me ocupar: pertencimento, deslocamento, memória, herança e transformação. Em vez de oferecer respostas, a pintura tornou-se um espaço onde esses temas podiam coexistir e interagir.

P. Como surgiu o título “Stillleben (Reflection on Longings and Belongings)” para a obra e o que ele agrega à compreensão do espectador sobre a peça?

O título surgiu de duas condições que frequentemente parecem inseparáveis. Questões de migração, deslocamento, meio-termo, transformação, herança e identidade permeiam toda a minha prática e moldam a forma como compreendo o mundo. O que significa pertencer? Quem é incluído e quem permanece de fora? O pertencimento pode oferecer abrigo, cuidado e afeto, mas também pode produzir fronteiras e exclusões.

Saudade é particularmente difícil de descrever. Para mim, está muitas vezes conectada ao desejo de preencher uma lacuna que está sempre presente, mas que nunca foi totalmente minha. Ela pode ser herdada de gerações anteriores, carregada por meio de histórias, silêncios, memórias e interrupções culturais. É um anseio por conexão, continuidade e compreensão, sabendo que algumas distâncias nunca poderão ser completamente superadas.

As mesmas estruturas que proporcionam conforto e a sensação de lar também podem se tornar mecanismos de separação e exclusão. Para mim, “Stillleben (Reflection on Longings and Belongings)” habita esse espaço de contradição. Reflete sobre o desejo simultâneo de pertencer e a consciência de que o pertencimento nunca é algo simples, fixo ou inocente.

Onde a arte encontra novos significados em casa

P. A Samsung Art Store oferece às pessoas uma maneira de interagir com arte de nível mundial nos espaços onde vivem. O que mais te interessa nessa relação cotidiana com as obras?

O que mais me interessa é a possibilidade de criar uma relação diária com a arte. Alguns dos encontros mais significativos com obras de arte acontecem não em museus, mas nos espaços onde moramos e passamos nosso tempo. Quando você se depara com uma obra de forma repetida, ela passa a fazer parte da sua vida cotidiana e a relação se aprofunda com o tempo para se tornar um pedaço das suas memórias e da sua história pessoal.

Isso ressoa com meu interesse em colaboração, participação e construção de comunidade. Gosto de formatos de acesso que permitem que a arte entre nos ambientes do dia a dia. Por meio de projetos como o Actioning, explorei como o significado emerge por meio de experiências compartilhadas e engajamento contínuo. Vejo a arte como algo capaz de criar conexões e se integrar a uma vida cultural compartilhada.

P. Como você acha que a experiência de visualizar arte muda quando uma obra se torna parte do ambiente doméstico?

Acho que a experiência se torna mais desacelerada e íntima. Em um museu, costumamos observar as obras de arte rapidamente e ao lado de muitas outras. Em casa, a relação se desdobra ao longo do tempo e a obra passa a fazer parte da vida cotidiana.

Você pode notá-la enquanto toma seu café da manhã, ao passar por um cômodo ou ao voltar para casa após um dia difícil. Às vezes você olha de perto; em outras, ela simplesmente existe em segundo plano. Ainda assim, continua a moldar a atmosfera de um espaço.

A obra se transforma em um relacionamento contínuo. Os significados podem mudar com o tempo e detalhes que inicialmente passaram despercebidos podem de repente se tornar importantes. À medida que o espectador muda, a obra muda também. Isso reflete como compreendo a arte: não como uma mensagem fixa, mas como algo aberto que continua gerando novas associações.

“Alguns dos encontros mais significativos com obras de arte acontecem não em museus, mas nos espaços onde moramos e passamos nosso tempo.”

P. Para os espectadores que descobrirem seu trabalho pela primeira vez por meio da Samsung Art Store, o que você esperaria que eles dedicassem um tempo para notar?

Eu os convidaria a passar um tempo com a obra e permitir que seus olhos divaguem. À primeira vista, minhas pinturas podem parecer estruturadas, repetitivas ou geométricas. Mas se você permanecer com elas por um momento, pequenas mudanças, irregularidades e transformações começam a emergir.

Espero que os espectadores percebam que nada é totalmente estático. As formas se repetem, mas também mudam. As cores se sobrepõem, revelam e ocultam umas às outras. O que inicialmente pode parecer estável torna-se gradualmente mais fluido e complexo.

Acima de tudo, espero que as pessoas se permitam vivenciar a obra sem sentir a necessidade de compreendê-la ou interpretá-la imediatamente. Grande parte da minha prática está voltada para coisas que existem entre categorias: entre pertencimento e deslocamento, ordem e imprevisibilidade, memória e imaginação. Essas são experiências que nem sempre podem ser traduzidas em palavras.

Se os espectadores dedicarem um tempo para notar os ritmos, as camadas e as sutis variações na obra, poderão descobrir que a pintura trata menos de fornecer respostas e mais de criar espaço para reflexão, curiosidade e associações pessoais. Espero que todos possam encontrar seu próprio ponto de entrada e construir sua própria relação com o trabalho ao longo do tempo.

A Samsung Art Store é um serviço de assinatura de arte disponível nas TVs Samsung Art. O serviço oferece mais de 5.000 obras de arte em qualidade 4K de mais de 800 artistas por meio de mais de 80 parceiros comerciais. Disponível em toda a linha expandida de Art TVs da Samsung¹, a Samsung Art Store traz obras de arte curadas para os espaços cotidianos por meio da tecnologia de exibição e do design da Samsung.

1. Produtos não disponíveis no Brasil ↩︎