[Entrevue] De la rue à la boutique Samsung Art Store : Logan Hicks parle de son processus créatif et de l’inspiration derrière l’art Urban Stencil

Depuis son lancement en 2017, Samsung Art Store a été à l’avant-garde de la conduite de changements importants dans la façon dont nous expérimentons et apprécions l’art. Grâce à leurs vastes collections d’œuvres d’art, The Frame et Art Store donnent aux consommateurs différents moyens d’apprécier diverses formes d’œuvres d’art dans le confort de leur foyer.

L’art de la rue, qui intègre souvent des éléments de l’environnement et de la nature, a trouvé sa place dans les médias numériques grâce à l’évolution rapide de la technologie d’affichage et de la qualité de l’image qui ont évolué au cours des dernières années. Grâce à des partenariats avec des artistes comme Logan Hicks, Samsung Art Store a comblé le fossé entre l’art public et les consommateurs typiques, en rapprochant plus que jamais les détails complexes, les expressions et les impressions des utilisateurs.

Salle de presse de Samsung a eu le privilège de s’entretenir avec Logan pour discuter de son processus créatif et de son inspiration, ainsi que de la manière dont son partenariat avec Samsung Art Store l’a aidé à repousser les limites de son art.

Inspiration et influences : De Baltimore à la Californie et au-delà

Q : Pourriez-vous nous parler un peu de vous et de votre carrière d’artiste? Comment en êtes-vous venue à travailler avec des stencils?

Après avoir dirigé avec succès une entreprise de sérigraphie commerciale, j’ai décidé de me concentrer sur mon art et j’ai quitté Baltimore pour m’installer en Californie. J’ai essayé le stencil découpé et j’ai eu un coup de foudre. Le processus est similaire, mais les stencils sont plus laborieux et ne sont pas exacts. J’ai relevé ce défi et appris à créer des détails profonds à l’aide de plusieurs couches.

Logan Hicks est un artiste de renom basé à New York, réputé pour ses paysages urbains photoréalistes complexes. En utilisant plusieurs couches de stencils, il allie parfaitement l’esthétique urbaine avec une précision et des détails extrêmes.

Q : Quelle est la passion qui inspire votre art?

Les voyages sont à la fois ma source d’inspiration et mon antidépresseur. Visiter de nouveaux pays, rencontrer de nouvelles personnes, découvrir de nouveaux lieux et de nouvelles cultures m’a toujours aidé à garder les yeux ouverts sur le caractère fantastique du monde. Après un voyage, j’ai toujours hâte de retourner au studio.

Je trouve également beaucoup d’inspiration dans la ville de New York. La façon dont la ville change au cours de la journée et de l’année – elle a une vie qui lui est propre. Pendant la pandémie, il était particulièrement intéressant de voir une ville dynamique se vider. C’était à la fois beau et étrange.

Q : Pourriez-vous nous expliquer votre processus artistique, depuis les photographies de départ jusqu’au produit final?

Je n’entre généralement pas dans les détails de mon processus, car il est facile de confondre le processus et le produit. Environ 75 % de mon temps de création artistique est consacré au processus laborieux de préparation de l’image, de découpe des stencils, de pontage des stencils, etc. Pour expliquer brièvement, je prends des photos, je les décompose en différents niveaux de contraste, je les découpe, je les vaporise les unes sur les autres, puis je peins soigneusement les lumières. Mes stencils ne sont pas de ceux que l’on peut simplement passer sur une couche de peinture solide, je fais lentement ressortir l’image à l’aide de petits jets de peinture que j’accumule.

Q : Quelle est l’étape que vous préférez dans votre processus artistique?

L’étape que je préfère est celle de la création et du choix d’une ambiance pour mon œuvre. Ma scène sera-t-elle une représentation de la réalité ou plutôt d’apparence picturale? Dépeindra-t-elle la solitude du soir ou l’éclat d’une journée lumineuse? Un ensemble de stencils peut être peint de plusieurs façons, et j’aime savoir lequel est le meilleur.

Q : Quels sont les partenariats sur lesquels vous avez travaillé au fil des ans et qui vous ont le plus marqué?

Je trouve que les partenariats les plus réussis sont ceux qui ont le moins de direction, du moins en ce qui me concerne. Trouver une entreprise qui me donne la liberté de faire ce que je veux est primordial pour une collaboration réussie. Je pense notamment au Bowery Wall que j’ai peint pour la famille Goldman à New York et à un partenariat avec Porsche pour leur voiture électrique à Scope Art Fair.

Boutique d’art Logan Hicks X Samsung

Q : Pourquoi avez-vous choisi de vous associer à l’Art Store?

Un artiste n’a que deux raisons d’être : faire de l’art et présenter cet art à un public. Pour moi, Samsung Art Store était un moyen d’exposer mon art; c’était une nouvelle approche de l’exposition de mon art, et c’est pour cette raison que je l’ai trouvée intéressante. De nos jours, les espaces de vie sont de plus en plus petits. J’ai donc vu dans ce projet un moyen de partager plusieurs œuvres d’art au lieu de les accrocher sur des murs limités.

Q : Comment l’exposition de votre travail sur The Frame se compare-t-elle à d’autres supports avec lesquels vous avez travaillé (toile, murs en briques ou en béton, panneaux d’affichage, etc.)

Un bon art doit pouvoir être représenté sur différents supports : toile, murs ou numérique. The Frame était une plateforme intéressante, car on ne peut pas contrôler l’endroit où elle sera accrochée, ni quel ménage téléchargera quelle œuvre d’art. Il était amusant de découvrir lesquelles de mes œuvres avaient l’attrait le plus universel. Lorsque vous réalisez une œuvre pour un lieu en particulier (comme une peinture murale), vous devez tenir compte du quartier, de l’éclairage, de la surface du mur, etc. La réussite d’une peinture murale dépend de votre capacité à vous adapter à l’environnement. Avec The Frame, cependant, il s’agissait d’arracher ces œuvres du mur et de les placer dans un espace numérique; l’attention était entièrement mise sur l’œuvre d’art créée plutôt que sur l’environnement dans lequel elle vit.

Q : Comment votre technique caractéristique de mélange des couleurs par aérosol contribue-t-elle à l’attrait visuel de vos œuvres lorsqu’elles sont présentées sous forme numérique?

J’espère que le public pourra apprécier mon travail à plusieurs niveaux. Par exemple, vous n’observez le sujet qu’à distance avant de commencer à remarquer les détails en vous rapprochant. Une fois que l’on s’en éloigne, l’exécution devient claire, de la façon dont les couleurs se mélangent aux minuscules points de peinture en aérosol qui composent la surface de l’image.

Mon travail comporte des nuances qui sont difficiles à voir sur les écrans numériques traditionnels. J’ai été satisfaite de la manière dont l’affichage mat de The Frame permet de saisir les détails de la peinture en aérosol et les changements subtils de couleur.  L’exposition donne la possibilité de découvrir l’œuvre à différentes distances, comme si elle existait sur un mur ou une toile.

Q : Vous avez déjà de l’expérience dans la création de peintures murales à grande échelle dans le monde entier, notamment à Istanbul, Miami, Baltimore, New York, en Tunisie, à Paris, etc. Comment le partenariat avec l’Art Store élargit-il la portée mondiale et l’accessibilité de votre travail à d’autres publics?

J’oublie facilement que 99,9 % du monde n’aura pas l’occasion de voir mon travail en personne. Lorsque je peins une fresque, c’est généralement dans les grandes agglomérations et dans les villes où j’ai déjà des liens. J’aime donc élargir mon champ d’action à des personnes qui ne vivent peut-être pas dans les endroits que je peins. Grâce à cette approche, un habitant de l’arrière-pays australien a accès à mes œuvres au même titre qu’un habitant du cœur de Manhattan.

Q : Quels sont les trois meilleurs choix que vous recommanderiez aux consommateurs d’afficher sur The Frame? Veuillez nous donner une brève explication de chacun.

The Entrance 2019

Cette peinture représente la façade de la maison de Monet. J’ai visité le jardin de Monet pour la première fois et j’ai immédiatement eu l’impression d’être dans un autre pays; les fleurs m’entouraient comme un brouillard vert et l’odeur des fleurs emplissait l’air. Devant la maison de Monet, j’ai imaginé ce qu’aurait été la vie dans cette maison. Je crois que c’est ce que Monet voyait tous les matins lorsqu’il se promenait dans le jardin et rentrait chez lui.

Giverny 2019

Cette pièce est également tirée du Jardin de Monet. Ce que j’ai le plus aimé dans ce jardin, c’est qu’il est très rare de pouvoir se tenir à l’endroit même où un chef-d’œuvre a été créé. J’ai grandi en admirant les peintures de Monet dans mes livres d’histoire de l’art, à la télévision et au cinéma. Mais lorsque j’ai visité le jardin, j’ai réalisé que j’étais dans le tableau. Je me trouvais à l’endroit où Monet se tenait lorsqu’il peignait et, soudain, son œuvre a pris tout son sens à mes yeux. Bien sûr, il a peint son jardin! Comment peut-on visiter le paradis et ne pas l’immortaliser dans un tableau?

Axon, 2018

J’ai un faible pour Paris : la culture, la nourriture, l’art et l’architecture. J’adore tout. Ce tableau représente une scène que l’on voit en sortant de la gare de Lyon. Je me souviens du moment où j’ai pris la photo qui m’a servi d’inspiration pour cette pièce. Mon ami m’a demandé : « Pourquoi prendre une photo de la rue? C’est laid. C’est la gare qui est magnifique. » Ce qui est merveilleux quand on est touriste, c’est que tout est nouveau et frais.  Pour moi, la rue était aussi belle que la gare. C’est le pouvoir d’une belle peinture; elle peut enchanter les scènes les plus ennuyeuses.

L’intersection de la technologie et de la créativité

Q : En tant qu’artiste reconnu pour ses techniques artistiques traditionnelles, comment naviguez-vous entre les formes d’art traditionnelles et le monde numérique?

L’art est une langue, et apprendre à la parler dans différents domaines est essentiel au succès d’un artiste. Je ne réfléchis pas trop à ce qui est traditionnel et à ce qui ne l’est pas. J’essaie simplement de réfléchir à l’aspect de l’œuvre à l’échelle de The Frame. J’essaie de réfléchir aux pièces qui sont suffisamment complexes pour rester à l’écran dans l’espace de quelqu’un pendant une période prolongée.

Q : Quelles possibilités uniques la plateforme d’art numérique offre-t-elle aux artistes comme vous?

La principale occasion que je vois pour l’espace numérique est l’accès à un nouveau public. Quelqu’un ne dépensera peut-être pas des milliers d’euros pour ma peinture, mais il pourra en télécharger une image. J’aime à penser que, parfois, cela peut même se traduire par l’achat d’une copie physique d’une peinture.

C’est également un excellent moyen d’atteindre un public qui ne fréquente pas traditionnellement les galeries. L’art a plus de succès lorsque les gens peuvent y voir un peu d’eux-mêmes, qu’il s’agisse d’un sentiment, d’une expérience, d’une pensée ou d’un état d’esprit. Cela ne se limite pas aux visiteurs des musées d’art. Trouver des gens et entrer en contact avec eux par l’art est quelque chose qui peut se faire à une échelle beaucoup plus grande grâce à une plateforme numérique.

J’aime avoir la possibilité de toucher de nouveaux publics qui n’ont peut-être jamais apprécié l’art auparavant. Le monde de l’art peut parfois être restreint; The Frame donne aux nouveaux amateurs l’occasion d’envisager de vivre avec l’art.

Visitez la boutique Samsung Art Store dans The Frame pour explorer davantage la collection Logan Hicks.